L’importanza dell’arte: sfide e opportunità per gli Artisti Italiani

Teorico dell’arte – Sezione Emergenti

Siamo consapevoli che un qualsiasi impedimento può sottrarre ad alcuni artisti quei già pochi sostentamenti e riconoscimenti tributati alla loro opera. L’educazione all’arte dovrebbe essere praticata da tutti gli italiani dal momento che la nostra nazione è al primo posto nel mondo con più di 4000 musei certificati, senza contare le tante opere d’arte e i “beni culturali” presenti nel nostro Paese.

Con gli scambi d’arte contemporanea si può ottenere anche un immediato confronto e un riscontro circa le varie difficoltà che affrontano non solo gli artisti produttori d’arte ma anche i nostri giovani che si dedicano al racconto artistico. Con questa possibilità offerta dalle istituzioni si potrà almeno comprendere quali rimedi già adottati altrove potrebbero essere utili anche a Cosenza e in Calabria per utilizzare o sfruttare come lavoro la passione artistica per il racconto. Come scriveva nella sua Estetica Luigi Pareyson che “l’arte è un fare, che mentre fa produce un modo di fare”. Per questo motivo bisognerebbe prestare maggiore attenzione alla formatività dell’arte.

Rimane comunque utile l’iniziativa degli scambi con artisti provenienti da altre realtà regionali o nazionali che arricchisce l’esperienza degli artisti locali.

Per gli operatori nel campo artistico è già importante condividere una passione e poterla mostrare ciclicamente a un pubblico. Da sottolineare che, nonostante in Italia non esista un equo sussidio statale per tutti coloro che scelgono di proporsi come artisti professionisti, è importante continuare a coltivare questa passione.

Piacevolmente sorprende, in questa prima edizione della Biennale di Cosenza, la Sezione giovani Emergenti che oltre alle presenze di artisti ancora interessati al racconto pittorico in olio su tela e tavola come Antonio Iannizzi, o anche se su altri supporti, come Giada Pugliese, Rossella Barbante, Maria Villirillo, o le pitture in acrilico su legno di Gloria Marrazzo o quelle opere sempre in acrilico su tela o su tavola di Bislak, s’impongono anche altre opere come quelle di Marta Critelli che utilizza la carta in 3D per proporre degli origami modulari, o le fotografie ottenute con la manipolazione digitale, passate attraverso il computer come quelle elaborate da Vilsona Tafani, (MilWa), o gli elementi in argilla cruda e cotta come quelli di Cristina Russo legati tra loro con cordoni di cotone tinto con essenze naturali, o le opere che vanno  dall’incisione alla video scultura, alle stampe 3D di Tania Bellini, o le opere di Bandini Blues che sono prodotte in serigrafia, collage e tecniche miste su pannello, o infine Luca Granato che spazia producendo installazioni evocative in cemento o anche proponendo in video le sue ardite performance.

È bene che da subito i giovani possano comprendere non solo la complessità del mercato dell’arte ma quanto tutti gli altri artisti non più giovani hanno dovuto affrontare dopo i propri studi per aver scelto la periferia dove esercitare un mestiere poco redditizio, ma ancora ricco di soddisfazioni, perché sospinti dalla ostinazione di voler raccontare “ciò che si sente”. (Mario Perniola, Del Sentire, che utilizza una categoria estetica per comprendere anche la cifra politica del sentire, muovendosi nella sua esposizione tra il già sentito, un’archeologia del sentire e il farsi sentire attuale).

Non è ben compreso dagli artisti cosa sia oggi il mercato finanziario dell’arte globale che usa un eccessivo potere in danaro per pubblicizzare come merce solo alcuni prodotti artistici come status symbol. L’ascesa pubblicitaria di alcuni artisti afferma un benessere non solo economico derivante dal potere dei soldi, ma anche psicologico, e così s‘inquina, più che nel passato, il mercato dell’arte. La ragione è semplice: tutti gli artisti presenti non sono da considerare veramente importanti per il nostro secolo: le generazioni future di teorici, storici e critici d’arte saranno impegnati in questo riconoscimento.

Per ora sarà opportuno indagare ciò che nell’arte contemporanea si considera oggi “artistico” a partire dalle teorie del critico d’arte, filosofo, insegnante d’estetica e di Teoria del restauro, Cesare Brandi, che con la sua Carta del restauro del 1972 (che in qualche anno fu sottoscritta da ben 131 Paesi) divenne un esperto di quanto va riconosciuto come “artistico” (pure se anch’egli incappò nel 1984 nella burla di Livorno con l’attribuzione della sua autentica a delle false sculture di Modigliani).

Nella Carta del restauro 1972 veniva descritto in che modo si attribuisce il titolo o la funzione di bene culturale a una produzione umana e quello di opera d’arte, oltre alla descrizione di quali metodi da adottare per un corretto restauro. Comunque sia il bene culturale che l’opera d’arte avrebbero dovuti essere conservati per legge, in quanto entrambi sono prodotti dall’uomo. Si affermò che trascorsi i cinquant’anni i beni culturali potevano essere riconosciuti anche come opere d’arte dagli esperti, oppure conservati ancora come beni culturali. Il “riconoscimento” era lo strumento attraverso cui esperti, critici e studiosi di teoria di storia dell’arte, innalzavano il “bene culturale ad “opera d’arte”.

Del resto la Biennale d’arte di Cosenza non ha come fine stabilire secondo la critica se una specifica produzione umana possa essere conservata o meno come bene culturale, o come una più difficile e presunta opera d’arte.

Ben venga perciò la promozione attraverso rassegne d’arte, a cui anche questa Biennale appartiene, nel mentre sono chiari gli intenti attuali e futuri dell’organizzazione: presentarsi come una promozione e un confronto libero tra diversi operatori culturali nel campo dell’arte.

The importance of Art: challenges and opportunities for Italian artists

We are all well aware how impediments can deprive artists of the little support and recognition their work receives. Art education should be an essential part of every Italian’s cultural background, given that our country leads the world with over 4,000 officially recognized museums, not to mention the thousands of art works and artefacts scattered throughout the country.

Contemporary art gatherings such as the Cosenza Biennial allow us to discuss and get feedback on the various difficulties faced not just by established producers of art, but also by all the young people involved in art and the study of art.

With the chance here offered by the local authorities we can at least learn about the remedies adopted elsewhere that could be of use in Cosenza and Calabria to promote a love of art, as well as act as a catalyst for the production of new art and new artists. As Luigi Pareyson wrote apropos of aesthetics, “Art is doing, that while doing produces a way of doing”. Thus, we need to devote more attention to art education or, to paraphrase Pareyson, art as education.

This initiative, which involves exchanges between local artists and those from other regions of Italy as well as abroad, can enrich the cultural baggage of all, encourage the sharing of different techniques and help fill any technical gaps. Moreover, young artists can learn practical survival problems from their older colleagues.

For operators in the art field what is important for the moment is to share a passion and be able to demonstrate it to the public. It is worth underlining the fact that, despite the lack of any equitable financial help from the Italian state for those who wish to follow a career as professional artists, it is still important to nurture this passion.

The Emerging Artists Section is a pleasant surprise; besides the presence of artists still dedicated to painting, even with different materials, such as Antonio Iannizzi, Giada Pugliese, Rossella Barbante and Maria Villirillo, or pictures in acrylic on wood by Gloria Marrazzo or other work in acrylic on canvas or boards by Bislak, there is also the striking offerings of Marta Critelli, who works with paper in 3D proposing modular origami; then there are the photographs obtained by means of digital manipulation passed through the computer like the works of Vilsona Tafani (MilWa); the wall bass-reliefs and elements in clay both natural and baked, as in the remarkable work of Cristina Russo, linked together by cotton cord tinted with natural essences, or variegated offerings that range from video sculpture to 3D printing; the work of Tania Bellini in wood and glass; or the contributions of Bandini Blues produced with collage and a mix of techniques on panels and finally Luca Granato, who startles us all with his evocative installations in cement, not to mention the Uhd video proposing his own daring version of performance art.

It is good to know that the young can understand not only the complexity of the art market, but also just how much those no longer young artists had to go through for choosing to stay on the margins, the peripheral regions. It’s hard to make a living through art, though rich in the satisfactions that come from doing what you believe in, i.e. creating. (Mario Perniola, Del Sentire, uses an aesthetic category to understand the political cost of feeling, transiting in his exposition from the already felt to feeling now).

Artists today find it hard to understand the global art market, that uses its excessive market power to publicize as consumer items only certain artists’ work, to be used as a sort of status symbol highlighting wellbeing not only in terms of money, but also psychological, thereby making today’s art market even more corrupt than in the past.

This would be a good moment to enquire what, in contemporary art, is considered to be “artistic”, starting from the art critic, philosopher, teacher of aesthetics and restoration Cesare Brandi who, with his Restoration Charter in 1972, which in a few years was signed by over 130 countries, became an expert in what exactly could be considered artistic (even if in 1984 he ran into trouble by authenticating the false Modigliani sculptures).

The 1972 Restoration Charter described how to decide whether a given article could be considered a work of art or a cultural good, as well as the methods to be adopted for a correct restoration.

Be that as it may, the conservation of both the cultural good and the work of art were guaranteed by law, on the grounds that both were products of the human hand. All such products, therefore, be they works of art or cultural goods, were to be protected. It was then added that after 50 years a cultural good could be deemed a work of art by experts, otherwise it would continue to be considered a cultural good (bene culturale). In other words, in the case of a cultural good having been carefully preserved for so long it was then up to art experts to decide whether the item could now be classified as a work of art or continue to be protected as a cultural good.

That said it is not the business of the art critics at Cosenza’s Art Biennial to decide whether a specific work should be conserved as a work of art or as a cultural good. This decision is one for future critics and art theorists.

For now, let us welcome the promotion of all the works in the Cosenza Biennial. The intentions of the organizers of this festival are clear: the promotion of new work and open debate between the different actors in the community of art.